오늘 우리는 20 세기의 가장 뛰어난 예술가 인 전위 예술가 Mark Zagarovich Chagall에 대해 이야기 할 것입니다. 주인은 1887 년 6 월 24 일 러시아 제국의 비 ite 스크 지방에서 태어났습니다. 어린 시절부터, 그의 이웃이 그를 세례 받았을 때, 이상한 사람이 세상을 다른 사람들과 달리 보지 못했습니다. Mark의 머리에는 흥미로운 이야기가 연주되어 나중에 캔버스에 구체화되었습니다. 누군가는 그의 뛰어난 작품을 이해하고 사랑하며, 누군가는 꾸짖으며이 그림들을 완전한 어리둥절하게 바라 봅니다. 누가 옳고 누가 그렇지 않습니까? 그의 작품을 이해하고 분석하려고 노력합시다. 오늘 우리는 샤갈의 가장 유명한 그림에 대해 이야기하고 있습니다.
꽃의 꽃다발 (1982)
Chagall은 꽃의 꽃다발과 같은 단순한 것조차도 자신의 방식으로 보았습니다. 많은 모호한 선들 중 하나는 갈색 타원형 꽃병에 파란색 배경에 붉은 꽃의 모호한 꽃다발을 볼 수 있습니다. 한 사람은 그것이 스스로 가르치는 장난이라고 말하고 다른 한 사람은 실제 천재의 작품입니다. 그러나 예술의 세계에 정통한 대부분의 사람들은 그 그림이 존재할 권리가 있다고 믿습니다. 아방가르드의 흥미로운 비전은 다음과 같습니다!
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"러시아 결혼식"(1909)
Marc Chagall은 러시아 최초의 축제로 정확히 그 모습을 보여주었습니다. 정장 신랑, 하얀 드레스를 입은 신부, 결혼식을 위해 교회에 갈 젊은이들을 위해 춤을 추는 손님 등 모든 것이 있어야하는 것처럼 보입니다. 이제는 모든 것이 어떻게 든 흐릿하고 비현실적입니다. 선이 비뚤어지고 패턴이 흐릿하며 색상이 흐릿합니다. 아마도 이것이 전위와 같은 장르의 본질 일 것입니다. 가장 중요한 것은 저자가 여전히 줄거리의 의미를 시청자에게 전달할 수 있다는 것입니다. 그러나 그가 어떤 스타일로 이것을 행했는지는 그의 개인적인 선택이며 우리가 그를 판단하는 것은 아닙니다.
"공을 가진 늙은 여자"(1906)
샤갈의이 그림은 매우 감동적이고 활기 차며 어떤 철학적 의미를 지닙니다. 저자는 우리가 어릴 때 노년에 대해 생각해야한다고 말하고 있습니다. 왜냐하면“당신이 뿌린대로 거둘 것입니다”. 노년기에 최악의 것은 혼자 야하기 때문입니다. 그래서이 늙은 여인은 슬픔에 홀로 앉아 모직 공을 구부려 적어도 어쨌든 자신의 생각을 채우고 지루함과 불안을 없애기 위해 노력합니다. 그림은 작가 고유의 스타일로 파스텔 색상으로 이루어지며, 한 브러시 스트로크가 다른 브러시 스트로크에 겹쳐져 완전한 그림이 만들어집니다.
"꽃의 꽃병으로 아직도 인생"(1910)
그렇습니다. 당신은 착각하지 않았습니다. 그것은 여전히 삶입니다. 그러나 그것은 다른 해석으로 만들어졌습니다. 그래서 그는 세상에 대한 추상적 인 인식을 가진 사람을 봅니다. 원칙적으로 모든 것이 명확합니다. 테이블에 꽃 꽃병이 있습니다. 죄송합니다. 어떤 것을 만들지 마십시오. 근처에는 과일, 자두 또는 살구 또는 복숭아가 담긴 접시가 있습니다. 여기서 스스로를 생각 해낼 수 있습니다. 그리고 테이블 근처에는 나무 의자가 있으며 손님이나 주인을 기다리고 있습니다. 아방가르드는 시작이나 끝이없는 그림 스타일이며, 어떤 종류의 상상력에 따라 다르게 인식 될 수있는 줄거리의 특정 과소 표현이 있습니다.
“아담과 이브”(1912)
예술의 기독교 주제는 20 세기에 매우 흔했으며, 아담과 이브의 악순환은 현대 예술가들의 캔버스에 두 번 이상 등장 할 것입니다. 샤갈은 그녀를 돌아 다니지 않았다. 사실 (저자에 따르면) 녹색과 흰색의 기하학적 인물을 제외하고는 아무것도 만들 수 없지만이 작품의 의미는 매우 깊고 유익합니다. 이 밝고 화려한 캔버스에서 무엇을 보았습니까?
"스트리트 바이올리니스트"(1912-1913)
저자의 흥미로운 작품은 마치 여러 부분으로 나뉘어져있는 것입니다. 이것은 바이올리니스트 자신의 배경과 중심 그림이며 두 이야기가 여기에 연결되어 있습니다. 그의 기술을 가진 사람은 빵을 벌고 동시에 아름다운 음악을 연주함으로써 사람들에게 기쁨을 가져다줍니다. 그러나 사람들은 이상한 거지 음악가의 무의식적 인 청취자가되었고, 이상한 바이올리니스트를 지원하기 위해 집을 떠나도 서두르지 않습니다. Chagall은 훌륭한 컬러리스트였으며, 자신의 작품이 얼마나 화려하고 다양해 졌는지, 색조와 음영이 어떻게 연주되는지, 어떻게 연결되지 않은 것처럼 보이는지 직접 확인하십시오.
신부 (1950)
빨간 드레스를 입은 아름다운 신부와 길고 흰 베일은 Marc Chagall의 가장 아름답고 유명한 그림 중 하나입니다. 여성 이미지는 선봉대 천재가 가장 성공했습니다. 우아한 신부 옆에 신랑이나 천사가 어깨를 껴안아 축복과 교훈을 주었고, 바이올린을 연주하는 염소는 장래의 아내를 제단으로 안내합니다.
“나와 나의 마을”(1911)
불규칙한 모양의 기하학적 모양의 색상의 조합과 결합은이 그림의 전체 그림을 결합합니다. 동물과 사람 : 다산의 상징으로 여자를 거꾸로 뒤집어 놓고 죽음을 상징하는 낫을 가진 남자. 배경에는 화려한 집이 있으며 전경에는 말과 사람의 두 개의 큰 머리가 있습니다. 여기서 그는 작가의 환상의 숨겨진 세계입니다. 분명히, 그림은 특정한 의미와 삶의 철학을 가지고 있지만, 모든 사람이 작가의 현실에 대한 이해의 연관성을 이해하고 이해할 수는 없습니다.
더 워크 (1918)
검은 양복을 입은 남자가 그의 여자를 손으로 밝은 드레스에 붙잡고 구름 위로 날아 오르는 새처럼 그를 날아 다니는 비행 모드에서 사랑에 빠진 부부의 재미있는 산책. 이 음모는 마치 구름 아래로 솟아 오르고 싶은 세속적 인 사랑의 느낌을 상징하는 것처럼 보입니다.
"생일"(1915 년)
특별한 경우를 나타내는 꽃 만 축제 속성에서 볼 수 있지만 저자가 왜 이런 식으로 작품을 불렀는지 이해하는 것은 매우 간단합니다. 그들은 날아 다니는 우아한 숙녀에게 날아 다니는 신사에 의해 선물됩니다. 부부는 부드러운 키스로 합쳐졌고, 테이블에는 사랑하는 손님이 도착했을 때 숙녀가 구워낸 군침이 도는 케이크가 얼었습니다. 이 작품에서는 선의 대칭과 색상의 조합이 관찰되며 원칙적 으로이 예술적 스타일에는 드문 경우입니다.
“우산과 소”(1946)
Marc Chagall의 그림을 보면, 질문은 무의식적으로 머리에서 어떻게 태어 났는지, 왜 젖소와 왜 우산을 썼습니까? 빨간 날개가 달린 큰 흰 암소와 빨간 우산은 자고있는 도시를 자랑스럽게 밟으며 옆에 우유를 마시는 새끼가 있습니다. 사진은 많은 열정을 유발하지는 않지만 혐오감을 불러 일으킬 것입니다. 그러나 아름다운 애호가들은 여기에서 많은 이점을 발견 할 것입니다. 우리는 이것으로 논쟁하지 않을 것입니다.
팬과 신부 (1911)
백인 작업은 매우 창백하고 동시에 가장 성공적인 것 같습니다. 사실, 신부는 마치 복도를 내려 가고 싶지 않은 것처럼 매우 슬퍼합니다. 사진은 짙은 하얀 안개와 슬픔으로 뒤덮인 것처럼 보였습니다. 나는이 아방가르드 마스터의이 작품을 "과거의 고독한 삶으로의 안녕"이라고 부릅니다.
청와대 (1917)
아름다운 하얀 성당을 배경으로 한 파란 마을의 집은 비대칭 적이며 장관이 아닙니다. 도시와 마을 사이의 특정 선을 상징합니다. 또한 저자는 빈곤과 부의 사회적 문제와 계급 불평등을 강조하고 싶었다.
“여름날의 밀밭”
이 Chagall의 작품은 천재의 작품보다 어린이의 그림과 더 비슷합니다. 왜냐하면이 캔버스는 순수한 예술 시대를 의미하기 때문입니다. 각 아티스트는 기복이 있습니다. 여기서 우리는 뜨거운 햇볕을 따라가는 밀 귀 위에서 천정까지 올라가는 붉은 태양을 볼 수 있습니다. 그리고 멀리서, 보트에서 어부가 보이며, 그 위에 붉은 달이 걸려 있습니다.
드디어
"뱅가드 (Vanguard)"라는 그림의 스타일은 그림의 예술에서 가장 흔히 실험이라고하며, 그림 자체의 의미에서 모든 것이 단순화되고 줄거리의 의미에서 너무 복잡하여 아티스트가 잊어 버리거나 오히려 품질과 조명 솔루션에 대해 너무 오래 생각하지 않는 것처럼 보입니다. 작품 자체, 그래서 그것은 밝혀졌습니다. 제 생각에는 그러한 작품은 존재할 권리가 있지만 Shishkin의 풍경이나 Vrubel의 멋진 삽화와 같은 미적 즐거움을 유발하지는 않습니다. 그러나 아시다시피 맛과 색에 대한 친구는 없습니다 ...